Publié le Lundi 15 décembre 2025 à 10:29:59 par Cedric Gasperini

 

Les principes fondamentaux qui s’appliquent à tous les types de jeux

Qu’est-ce qui fait qu’un jeu nous accroche ? On pourrait dire les graphismes, mais combien de “claques visuelles” annoncées ont fait flop ? La question n’est donc pas si évidente lorsqu’on l’examine, et voilà pourquoi elle occupe des équipes entières de développeurs, qu’ils travaillent sur un jeu de société, un jeu vidéo à gros budget ou une plateforme de casino en ligne.

Derrière chaque expérience ludique se cachent des principes de conception. Ils sont forcément invisibles pour le joueur, mais ils déterminent tous les choix techniques pris par un studio. Ces règles du métier, forgées par des décennies d’essais et d’erreurs, traversent les genres et les supports. En voici cinq parmi les plus déterminants.

1. Un bon jeu se comprend sans mode d’emploi (courbe d’apprentissage)

Combien de temps faut-il pour comprendre les règles d’un jeu ? Si la réponse dépasse quelques minutes, les concepteurs considèrent généralement que quelque chose cloche. Ce principe, formulé par la game designer américaine Jane McGonigal, tient en une phrase : un jeu bien conçu devrait être jouable immédiatement, sans aucune instruction.

Cela ne signifie pas pour autant que le jeu doit être simpliste. La nuance est importante. Il s’agit plutôt de rendre l’entrée dans le jeu fluide, intuitive, sans barrière à l’apprentissage. Le joueur doit pouvoir commencer à jouer, puis découvrir progressivement les subtilités crescendo. Les game designers parlent d’ailleurs de “courbe d’apprentissage” pour désigner cette montée en compétence naturelle… qui ne repose pas sur la lecture d’un manuel.

C’est le cas du blackjack, l’un des jeux de cartes les plus populaires sur les casinos en ligne. Le principe est toujours le même, une main dont la valeur se rapproche de 21 sans jamais dépasser ce nombre. Le joueur reçoit deux cartes, voit une carte du croupier, et décide s’il veut en piocher une autre ou s’arrêter.

Simple… mais n’empêche pas une certaine profondeur stratégique ! Faut-il tirer une carte supplémentaire avec 16 points face à un croupier qui montre un 10, par exemple ? Cette clarté et cette immédiateté en fait l’un des jeux de base des “casinos sans KYC” : ces applis de casino en ligne sur lesquelles on s’inscrit avec un mail (ou un numéro de mobile) et où on peut jouer sans passer par la vérification d’identité.

C’est même devenu un standard de l’industrie. Les meilleurs casinos sans KYC permettent à n’importe qui de s’asseoir à une table virtuelle et de jouer immédiatement. La vérification d’identité (le KYC) intervient seulement au moment de retirer les gains vers son compte bancaire ou son portefeuille crypto. 

2. Ce sont les contraintes qui créent l’intérêt (espace de possibilités)

Le deuxième principe peut surprendre : un jeu où tout serait permis ne sera finalement jamais amusant, du moins assez longtemps pour justifier tout un développement de longue haleine. C’est même précisément l’inverse qui se produit. Ce sont les limites imposées au joueur qui génèrent l’intérêt et la satisfaction.

La raison est simple. Sans contrainte, il n’y a pas de défi. Et sans défi, il n’y a pas ce sentiment de satisfaction à aller chercher. Imaginez un jeu de football où les joueurs pourraient prendre le ballon à la main, franchir les limites du terrain, marquer dans n’importe quelle direction. Ce ne serait plus un jeu, mais un chaos sans intérêt…

Les règles qui interdisent certaines actions sont justement ce qui donne du sens aux actions autorisées. Les game designers utilisent le terme d’ “espace de possibilités” pour décrire l’ensemble des choix offerts au joueur à un instant donné.

Cet espace doit être suffisamment restreint pour être maîtrisable, mais suffisamment riche pour offrir des décisions significatives !  En clair, la contrainte force le joueur à réfléchir, à anticiper, à trouver des solutions créatives dans un cadre défini. 

Vous jouez sûrement aux échecs, de retour en grâce à une poignée d’influenceurs. Dans ce jeu de stratégie, qu’on ne présente plus, chaque pièce obéit à des règles de déplacement strictes : le fou ne se déplace qu’en diagonale, la tour uniquement en ligne droite, le cavalier effectue un mouvement en “L”, etc.

Ces contraintes, loin de limiter le jeu, en constituent la richesse. Si toutes les pièces pouvaient aller n’importe où, les échecs perdraient tout intérêt stratégique.

3. L’action suivante doit toujours être évidente (lisibilité)

“Que dois-je faire maintenant ?” Si le joueur se pose cette question trop longtemps, c’est que le game design a péché quelque part. Le principe veut en effet que chaque élément du jeu doit guider intuitivement vers l’étape suivante, sans recourir à des explications.

Dans l’industrie, on appelle cela la “lisibilité”. Cela ne veut pas dire que tout doit être facile, mais que la direction à prendre doit rester claire, du moins pas trop compliquée à découvrir. L’expérience montre que la frustration naît rarement de la difficulté, mais de l’incompréhension.

Le langage visuel remplace donc les instructions textuelles. Les développeurs utilisent la lumière, les couleurs, la disposition des éléments pour orienter le regard et les décisions du joueur. Cette technique s’appuie sur des conventions établies, comme le fait qu’une porte rouge sera probablement verrouillée, ou qu’un chemin lumineux mène généralement quelque part d’important.

The Legend of Zelda: Breath of the Wild, jeu d’aventure sorti en 2017 sur Nintendo Switch, excelle dans ce domaine. Le joueur y incarne un héros qui explore un vaste monde ouvert, résout des énigmes et combat des créatures hostiles. À aucun moment le jeu n’affiche de longues instructions. Un coffre avec un trou de serrure indique qu’il faut chercher une clé. Et une tour visible au loin suggère l’objectif à atteindre dans un niveau.

4. Le son fait la moitié du travail (feedback audio)

Un test simple permet de mesurer l’importance du son dans un jeu : coupez-le et rejouez. L’expérience s’effondre presque systématiquement. Cela vous donne une idée des moyens mobilisés par les studios dans le design sonore. Le son informe, crée l’émotion, et confirme que les actions du joueur ont bien été prises en compte. Sans ce retour auditif, appuyer sur un bouton semble ne rien produire.

Il faut savoir que le son agit sur nos émotions de manière plus directe que l’image. Une musique tendue accélère le rythme cardiaque avant même qu’un danger n’apparaisse à l’écran.

Un effet sonore satisfaisant renforce quant à lui la sensation de récompense : le “clic” d’un puzzle résolu, le tintement de pièces gagnées. Les développeurs parlent de “feedback audio” pour désigner ce phénomène. Chaque action du joueur doit produire un retour sonore qui confirme que quelque chose s’est passé.

Resident Evil, série de jeux d’horreur lancée en 1996 par l’éditeur japonais Capcom, est certainement la franchise la plus emblématique du jeu vidéo en termes de bande-son. Le joueur y explore des environnements hostiles comme des manoirs abandonnés, des laboratoires souterrains ou des villes infestées, tout en affrontant des créatures monstrueuses.

Les graphismes contribuent à l’atmosphère, mais c’est le son qui génère véritablement l’angoisse : des grincements de portes, des bruits de pas dans le couloir adjacent, des respirations rauques hors champ, des silences soudains avant une attaque, etc.

5. On ne teste pas la beauté, on teste le fun (playtesting)

Un jeu peut être visuellement somptueux et profondément ennuyeux. L’inverse est également vrai, cela se produit parfois. Ce décalage explique pourquoi l’industrie du jeu vidéo accorde tant d’importance au “playtesting”, une phase où de vrais joueurs testent le jeu en développement.

L’objectif n’est pas d’évaluer la beauté graphique, mais de mesurer le plaisir de jeu. Car ce plaisir ne se décrète pas sur le papier, seule la confrontation avec un panel de joueurs permet de distinguer ce qui fonctionne.
Dans la pratique, le playtesting intervient très tôt dans le développement. Les équipes observent des joueurs découvrir leur création, notent où ils bloquent, où ils s’ennuient, où ils s’amusent. Ces retours concrets valent davantage que n’importe quelle théorie.

Minecraft incarne ce principe mieux que tout autre exemple. Ce jeu de construction, créé en 2009 par le développeur suédois Markus Persson, propose un univers entièrement composé de blocs pixelisés. Visuellement, il évoque les jeux des années 1990.
Pourtant, avec plus de 300 millions d’exemplaires vendus, il détient le record du jeu le plus vendu de l’histoire. Son gameplay repose sur des mécaniques simples : récolter des ressources, construire des structures, explorer un monde généré aléatoirement. Cette formule s’est révélée si addictive que des joueurs y consacrent des milliers d’heures.